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Kraft- und Berührungserfahrungen in Kunst und Wissenschaft um 1900
Author:
Kunst wird mit den Augen genossen, aus der Ferne, und vor allem mit dem Geist. „Körper & Objekte" zeigt, wie in der französischen Kunst um 1900 mit diesem Diktum folgenreich gebrochen wurde. Das künstlerische Schaffen von führenden Kunsthandwerkern wie François-Rupert Carabin und Émile Gallé, aber auch das vom Architekten Jules Lavirotte, dem Bildhauer-Mediziner Paul Richer und der Tanzpionierin Loïe Fuller wird hierfür systematisch wissenschaftlichen Studien zum Tast- und Kraftsinn gegenübergestellt. Dabei wird erstmals greifbar, dass sich die ehemals „niederen" Künste zu einer Allianz mit den ehemals „niederen" Sinnen zusammengeschlossen haben: Kunst wird um die Jahrhundertwende mit dem Körper genossen.
Zur rezeptionsästhetischen Temporalität in den Werken von On Kawara, Roman Opałka, Bernd und Hilla Becher, Richard Prince, Cindy Sherman und Sophie Calle unter Berücksichtigung psychodynamischer Perspektiven
Author:
Die Zeitlichkeit der Werk-Betrachter-Beziehung wurde von der kunstwissenschaftlichen Rezeptionsästhetik erstaunlich lange nur wenig reflektiert. Dabei scheint unbestritten, dass sich visuelle Gestalten, Interpretationen, ästhetische Emotionen und mentale Ergänzungen nur in einer zeitlich ausgedehnten Bildbetrachtung entfalten können. Die empirische Psychologie und die Psychoanalyse besitzen dagegen eine lange Tradition der Erforschung temporaler Aspekte von Wahrnehmung und Beziehungserleben, jedoch wurden ihre Erkenntnisse bisher kaum für die kunstwissenschaftliche Forschung nutzbar gemacht. »Verwicklungen des Betrachters« erweitert die rezeptionsästhetische Methode um psychodynamische Perspektiven, die eine trennscharfe Differenzierung verschiedener Modi der zeitgebundenen ästhetischen Erfahrung ermöglichen. Neubetrachtungen bekannter Werke der 1960er bis 1980er Jahre veranschaulichen die Plausibilität und Produktivität dieser transdisziplinären Betrachtungsweise.
Usable Pasts addresses projects dating to two periods in the United States that saw increased financial support from the state for socially engaged culture. By analysing artworks dating to the 1990s by Suzanne Lacy, Rick Lowe and Martha Rosler in relation to experimental theatre, modern dance, and photography produced within the leftist Cultural Front of the 1930s, this book unpicks the mythic and material afterlives of the New Deal in American cultural politics in order to write a new history of social practice art in the United States. From teenage mothers organising exhibitions that challenged welfare reform, to communist dance troupes choreographing their struggles as domestic workers, Usable Pasts addresses the aesthetics and politics of these attempts to transform society through art in relation to questions of state formation.
Painting, Typography, Photomontage
Author:
The book is a comparative study of the constructivist avant-garde artists in Central Europe, the Hungarian MA group in exile in Vienna, the Blok group in Warsaw, and the Czech Devětsil association of artists in Prague. The author examines the similarities and significant differences among them. Contrary to often-repeated theses, the study reveals that the artists unremittingly sought new formulations for an initial set of formal and theoretical issues. It also demonstrates that they persistently believed that their works of art prefigured a future socialist society. The long-awaited socialist states that came into being after World War II betrayed the artists.
Catholic Debates at the Time of Trent. With an Edition and Translation of Key Documents
Author:
The Catholic Church answered Reformation-era contestations of the cult of images in a famous decree of the Council of Trent (1563). Art in Dispute revisits this response by focusing on its antecedents rather than its consequences. The mid-sixteenth century saw, besides new scholarship on Byzantine doctrines, heated debates about neo-scholastic interpretations. Disagreement, suppressed at Trent but re-emerging soon afterwards, centered on the question whether religious images were solely signs referring to holy subjects or also sacred objects in their own right. It was a debate with major implications for art theory and devotional practice.

The volume contains editions and translations of texts by Martín Pérez de Ayala, Matthieu Ory, Jean Calvin, Ambrogio Catarino Politi, and Iacopo Nacchianti, along with a previously unknown draft of the Tridentine decree.
In epideictic oratory, ekphrasis is typically identified as an advanced rhetorical exercise that verbally reproduces the experience of viewing a person, place, or thing; more specifically, it often purports to replicate the experience of viewing a work of art. Not only what was seen, but also how it was beheld, and the emotions attendant upon first viewing it, are implicitly construed as recoverable, indeed reproducible.
This volume examines how and why many early modern pictures operate in an ekphrastic mode: such pictures claim to reconstitute works of art that solely survived in the textual form of an ekphrasis; or they invite the beholder to respond to a picture in the way s/he responds to a stirring verbal image; or they call attention to their status as an image, in the way that ekphrasis, as a rhetorical figure, makes one conscious of the process of image-making; or finally, they foreground the artist’s or the viewer’s agency, in the way that the rhetor or auditor is adduced as agent of the image being verbally produced.

Contributors: Carol Elaine Barbour, Ivana Bičak, Letha Ch’ien, James Clifton, Teresa Clifton, Karl Enenkel, Arthur DiFuria, Christopher Heuer, Barbara Kaminska, Annie Maloney, Annie McEwen, Walter Melion, Lars Cyril Nørgaard, Dawn Odell, April Oettinger, Shelley Perlove, Stephanie Porras, Femke Speelberg, Caecilie Weissert, Elliott Wise, and Steffen Zierholz.
Eine Archäologie der Gegenwartskunst
Author:
In der Moderne muss Kunst ebenso wahr wie gegenwärtig sein. Kein Werk und keine Praxis können sich ernsthaft als Kunst behaupten, ohne solchen Ansprüchen zu genügen. Doch wie konnten Wahrheit und Gegenwärtigkeit zu den entscheidenden, nicht-ästhetischen Kriterien von Kunst werden? Die hier vorgelegte Studie versucht diese Frage zu beantworten, indem sie hinter die dominanten Begründungsmythen von Moderne und Gegenwartskunst im Sinne von heroischen Überwindungsleistungen alles Alten im Namen eines Neuen blickt. Derart wird eine Tradition des Wahrheits- und des Gegenwartsbezugs von Kunst sichtbar, die tief in jener Geschichte verwurzelt ist, als die Malerei begann, um ihren Status als Kunst zu ringen. Die historischen Niederlande stellen zwischen dem 15. und dem 17. Jahrhundert den exemplarischen Schauplatz dieses Ringens dar. Durch den Verlust vorgegebener Wahrheiten und Funktionen entwickelte die Malerei im Spannungsfeld zwischen ökonomischen, politischen und religiösen Krisen besondere Strategien der Selbstbehauptung als Kunst. Anhand spekulativer Bildideen – dem Bild als Schwelle, dem antagonistischen, dem analytischen und dem synthetischen Bild – wird die Wirkmächtigkeit dieser Strategien im Sinne eines spezifischen Wahrheitseinsatzes nachvollzogen und so das Nachleben der Niederländischen Malerei als Gegenwartskunst erfasst.
Kunstgeschichte in eigener Sache
Wer PRO DOMO redet, spricht ›für das eigene Haus‹, das heißt in eigener Sache. Auf welche Weise Vertraute von Künstler:innen aktiv und nachhaltig Kunstgeschichte gestalten, untersucht dieser Band.
Aus dem direkten Umfeld von Künstler:innen versuchen sich immer wieder Personen an einer PRO DOMO-Kunstgeschichte: im Medium des Textes, der Fotoreportage, des Films oder des Digitalen. Solche Formen einer oft dezidiert parteiischen Kunstgeschichtsschreibung werden hier erstmals umfassend analysiert. Den Ausgangspunktbilden Schriften, die meist im unmittelbaren Umfeld von Künstler:innen – zuweilen auch in direkter Kooperation – entstanden sind und die somit gleichsam für diese das Wort ergreifen. Thematisch spannt das Buch einen Bogen vom 15. Jahrhundert bis in die Gegenwart und fragt auch danach, was dieses PRO DOMO-Prinzip für die Kunstgeschichte insgesamt bedeutet und wie heute mit einer solchen Involvierung umzugehen ist.
This book provides philosophical insight into the nature of reality by reflecting on its ontological qualities through the medium of film. The main question is whether we have access to reality through film that is not based on visual representation or narration: Is film—in spite of its immateriality—a way to directly grasp and reproduce reality? Why do we perceive film as “real” at all? What does it mean to define its own reproducibility as an ontological feature of reality? And what does film as a medium exactly show? The contributions in this book provide, from a cinematic perspective, diverse philosophical analyses to the understanding of the challenging concept of “the real of reality”.
Jean-Baptiste Du Bos’ Critical Reflections on Poetry and Painting, first published in French in 1719, is one of the seminal works of modern aesthetics. Du Bos rejected the seventeenth-century view that works of art are assessed by reason. Instead, he believed, audience members have sentiments in response to artworks. Their sentiments are fainter versions of those they would feel in response to actually seeing what the work of art imitates. Du Bos was influenced by John Locke’s empiricism and, in turn, had a major impact on virtually every major eighteenth-century contributor to philosophy of art, including Voltaire, Montesquieu, Diderot, Rousseau, Herder, Lessing, Mendelssohn, Kames, Gerard, and Hume. This is the first modern, annotated and scholarly edition of the Critical Reflections in any language.