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Music as Theology in the Spanish Empire
Hearing Faith explores the ways Roman Catholics in the seventeenth-century Spanish Empire used music to connect faith and hearing. From the Royal Chapel in Madrid to Puebla Cathedral in colonial Mexico, communities celebrated Christmas and other feasts with villancicos, a widespread genre of vernacular poetry and devotional music. A large proportion of villancico texts directly address the nature of hearing and the power of music to connect people to God. By interpreting complex and fascinating examples of “music about music” in the context of contemporary theological writing, the book shows how Spanish Catholics embodied their beliefs about music, through music itself. Listening closely to these previously undiscovered and overlooked archival sources reveals how Spanish subjects listened and why.
Robert Lachmann’s letters to Henry George Farmer, from the years 1923-38, provide insightful glimpses into his life and his progressive research projects. From an historical perspective, they offer critical data concerning the development of comparative musicology as it evolved in Germany during the early decades of the twentieth century. The fact that Lachmann sought contact with Farmer can be explained from their mutual, yet diverse interests in Arab music, particularly as they were then considered to be the foremost European scholars in the field. During the 1932 Cairo International Congress on Arab Music, they were selected as presidents of their respective committees.
Visuelle Kultur und musikalische Notation (9.-13. Jahrhundert)
Editors: Matteo Nanni and Kira Henkel
Dieser Band untersucht die Entwicklung der musikalischen Notenschrift als Teil der Kulturgeschichte des Visuellen. Notationspraktiken des Mittelalters werden im Dialog mit schrift- und bildtheoretischen Ansätzen diskutiert.
Frühe Formen von Notation sind Träger einer Spannung zwischen Schriftbild und Klang, zwischen Erinnerung und Vergegenwärtigung, zwischen Bildhaftem und Bilderlosem und werden in den veröffentlichten Beiträgen auf diesen gemeinsamen Fokus hin reflektiert. Die Prozesse der Verschriftlichung, die sich im Kontext der musikalischen Theorie und Praxis seit dem 9. Jahrhundert entfaltet haben, sind nicht nur musikhistorisch zentral, sie sind ebenso im Hinblick auf eine kulturgeschichtliche Diskussion über Schrift und Schriftlichkeit relevant. Im Anschluss an die Schriftbildlichkeitsdebatte leistet die hier gestellte Frage nach der visuellen Logik musikalischer Notenschriften einen bisher vernachlässigten, jedoch wichtigen Beitrag.
Displacement, relocation, dissociation: each of these terms elicits images of mass migration, homelessness, statelessness, or outsiderness of many kinds, too numerous to name. This book aims to create opportunities for scholars, practitioners, and silenced voices to share theories and stories of progressive and transgressive music pedagogies that challenge the ways music educators and learners think about and practice their arts relative to displacement.
Displacement is defined as encompassing all those who have been forced away from their locations by political, social, economic, climate, and resource change, injustice, and insecurity. This includes:

- refugees and internally displaced persons;
- forced migrants;
- indigenous communities who have been forced off their traditional lands;
- people who have fled homes because of their gender identity and sexual orientation;
- imprisoned individuals;
- persons who seek refuge for reasons of domestic and social violence;
- homeless persons and others who live in transient spaces;
- the disabled, who are relocated involuntarily; and
- the culturally dispossessed, whose languages and heritage have been taken away from them.

In the context of the first ever book on displacement and music education, the authors connect displacement to what music might become to those peoples who find themselves between spaces, parted from the familiar and the familial. Through, in, and because of a variety of musical participations, they contend that displaced peoples might find comfort, inclusion, and welcome of some kinds either in making new music or remembering and reconfiguring past musical experiences.

Contributors are: #4459, Efi Averof Michailidou, Kat Bawden, Rachel Beckles Willson, Marie Bejstam, Rhoda Bernard, Michele Cantoni, Mary L. Cohen, Wayland “X” Coleman, Samantha Dieckmann, Irene (Peace) Ebhohon, Con Fullam, Erin Guinup, Micah Hendler, Hala Jaber, Shaylene Johnson, Arsène Kapikian, Tou SaiKo Lee, Sarah Mandie, David Nnadi, Marcia Ostashewski, Ulrike Präger, Q, Kate Richards Geller, Charlotte Rider, Matt Sakakeeny, Tim Seelig, Katherine Seybert, Brian Sullivan, Mathilde Vittu, Derrick Washington, Henriette Weber, Mai Yang Xiong, Keng Chris Yang, and Nelli Yurina.
Das Choreodrama "Le Sacre du printemps" im Spiegel der 'Theaterreform um 1900'
Igor’ Stravinskijs "Le Sacre du printemps" gilt als Meilenstein der Musik- und Tanzgeschichte. Gleichwohl hat die Wissenschaft einen Schlüsselaspekt zum Verständnis des Werkes bislang übersehen: die ‚Theaterreform um 1900‘. Leila Zickgraf zeigt erstmals, dass Stravinskij mit dem "Sacre" sein höchst eigenes ‚Theater der Zukunft‘ verwirklichte. Durch die Rhythmen seiner Komposition versetzte er Tänzer wie Publikum in einen körperlich erfahrbaren Rausch, wodurch er die Zuschauer ins Bühnengeschehen integrierte. Mit seiner interdisziplinären Ausrichtung sowie seiner umfassenden Quellenerschließung leistet das Buch einen wichtigen Forschungsbeitrag zu einem noch immer ungenügend ausgeleuchteten Meisterwerk.
Konzepte und Debatten in der frühen Bundesrepublik
Lange Zeit hat die Idee eines musikalischen Fortschritts gleichermaßen fasziniert und polarisiert. Als zentraler Bestandteil der Diskurse um die Neue Musik verlangt sie nach einer differenzierten historischen Betrachtung.
Anhand von reichhaltigem Textmaterial analysiert Julia Freund die zentralen Konzepte und Argumentationslinien und entwirft ein vielfältiges Panorama der Debatten der 1950er Jahre. Ausgangspunkt ist ein close reading der Schriften und Vorlesungen Theodor W. Adornos, dessen Fortschrittsbegriff im Rahmen seines philosophischen Projekts der Aufklärungskritik greifbar wird. In einem zweiten und dritten Schritt nimmt die Autorin die Denkfiguren und Narrative der seriellen Komponisten (darunter K. Stockhausen und P. Boulez) sowie die Gegenentwürfe ihrer Kritiker (wie P. Hindemith oder Fr. Blume) in den Blick.
Silence, Implicite et Non-Dit chez Rousseau/Silence, the Implicit, and the Unspoken in Rousseau prend acte d’un grand nombre de publications ayant trait à l’analyse par Rousseau des langues et du langage, de la parole par rapport à l’écriture, de la voix (y compris la voix de la nature). Mais ce volume se consacre tout particulièrement au fonctionnement et aux effets du silence, de l’implicite et du non-dit dans la pensée de Rousseau. Son approche est à la fois polyvalente et cohérente, et ses réflexions sur le silence sont associées à d’autres préoccupations esthétiques, politiques, et morales de son œuvre.

Silence, Implicite et Non-Dit chez Rousseau/Silence, the Implicit, and the Unspoken in Rousseau capitalizes on a great number of publications dealing with Rousseau’s analysis of languages and language, speech versus writing, of voice (including the voice of nature). But this volume is particularly dedicated to the study of the functioning and the effects of silence, the implicit and the unspoken in Rousseau’s thought. His approach is both polyvalent and consistent, and his reflections on silence are associated with other aesthetic, political, and moral concerns in his work.

Abstract

The chapter discusses Rousseau’s effective use of silence and implicitness. Where in Rousseau’s work, not as a subject but as a resource, are silence, the unsaid, the implicit? A part of the argument is that Rousseau has, in writing, an excellent command of the resources of rhetoric, including those of all three terms in our title. When, in the Dictionnaire de musique, Rousseau writes, « On sait que le bruit peut produire l’effet du silence, et le silence l’effet du bruit », he gives the measure of a subtle understanding that could be equally pertinent for speech and writing.

In: Silence, Implicite et Non-Dit chez Rousseau / Silence, the Implicit and the Unspoken in Rousseau

Résumé

Renvoyant dos-à-dos un silence religieux absorbé par le mystère de la transcendance et un silence bienséant animé par le désir de plaire, l’éducation rousseauiste ne se complait cependant pas dans de doctes discours inadaptés à l’enfant, mais fait du silence un usage stratégique. Cette contribution montre que l’économie du discours du gouverneur dans l’enfance rendra Émile capable d’entendre ce qui est devenu à beaucoup d’autres inaudible, « la voix des infortunés ». La moralité d’Émile suppose paradoxalement que le gouverneur ait d’abord maintenu l’enfant dans un double silence, celui des passions et celui de Dieu. Émile enfant passe du silence plat du monde des choses à un silence critique mettant à distance l’ordre social injuste. Par son art de manier les silences, le gouverneur rend alors possible la formation réflexive du jugement de son élève. Ce chapitre apporte ainsi un éclairage différent à la question controversée de l’autonomie de l’élève rousseauiste, en faisant valoir la pertinence des stratégies discursives du gouverneur.

In: Silence, Implicite et Non-Dit chez Rousseau / Silence, the Implicit and the Unspoken in Rousseau

Abstract

This chapter aligns silence in a range of Rousseau’s works with the symbol of the corps morcelé. The image of the fragmented body of his Lévite d’Ephraïm depicts torment at its most gruesome level, yet simultaneously serves as the paragon of expressivity, embodying l’éloquence muette for Rousseau. This symbol is likewise born of Rousseau’s own alienation and suffering, both in the persecution that he faces for his writing, and in his subjective experience as corps morcelé facing the limitations of language. The anxiety and alienation that Jacques Lacan identifies within his conception of the corps morcelé is evident in Rousseau’s struggles with language and society. Like silence for Lacan, Rousseau’s mute eloquence of the corps morcelé is symptomatic, as it reveals disparities in the political body and an underlying lack in language, but it is also restorative in its potential to vindicate, as well as to incarnate Rousseau’s own corps morcelé.

In: Silence, Implicite et Non-Dit chez Rousseau / Silence, the Implicit and the Unspoken in Rousseau